Chantons Aux Vaches Édition 2025
Résidence et rendez-vous Performatif
Du jeudi 16 août au samedi 30 août 2025
Centre d’Art Performatif BOUCHERIE
À l’occasion du Rendez-vous Performatif Chantons Aux Vaches, nous sommes heureux de vous inviter à rencontrer les artistes qui séjournent en Brenne et expérimentent des modes de relation entre art, environnement et terroir rural et naturel de la Brenne. À l’issue de la résidence, les artistes proposent une mise en espace de leur recherche qui sera proposée à BOUCHERIE Centre d’Art Performatif et à Paris à Rue Française – Plateforme créative pour l’art.
Avec : Bonnie TCHIEN Hwen-Ying, Ludovic DE VITA, Léonard DESJARDIN, Kevin FAUVRE, WANG Ling, Eva JASTRZEBSKI, Elodie LACHAUD, LIN Huang-Ti, WANG Wan-Ting, MO Lu, Davide NAPOLI, Alain SNYERS, VINCENT+FERIA
à BOUCHERIE Centre d’Art Performatif
Samedi 23 août 2025 à partir de 18h
- de 18h à 19h – Vernissage de l’exposition restitution
- de 19h à 20h – Mise en espace performatif par les artistes
Dimanche 24 août 2025 à partir de 18h
- Verre amical en présence des artistes
à Paris Rue Française
Samedi 30 août 2025 à partir de 14h
- Mise en espace par les artistes de la proposition initiale
Du lundi 1 au samedi 6 septembre 2025
La Française Week / Restitution-évolution de la proposition initiale. Retrouvez la programmation
sur le site https://ruefrancaise.fr/
Organisation / Partenariat
Co-organisé et en partenariat avec BOUCHERIE Centre d’Art Performatif, Rue Française – Plateforme créative pour l’art, Éditons Performatives
https://ruefrancaise.fr/
https://editionsperformatives.fr/
Présentation des artistes
Bonnie TCHIEN Hwen-Ying
Artiste, performeuse, Bonnie Tchien Hwen-Ying travaille sur l’éthique et l’esthétique du don et du contre-don et de leurs mises en scène lors de rencontres qu’elle organise sous la forme de performances ludiques, intrigantes et participatives. Elle s’implique dans un espace culturel à Paris, Rue Française, dont elle réimagine le cadre en fonction des rencontres et de ses recherches. En configurant un centre d’art en zone rurale, elle fonde BOUCHERIE Centre d’Art Performatif à Migné où l’art et les savoir-faire locaux sont mis à contribution pour l’identification de nouvelles formes d’interaction et de production transdisciplinaires.
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Artist, performer, Bonnie Tchien Hwen-Ying works on the ethics and aesthetics of donation and counter-donation and its staging during events that she organizes in the form of playful, intriguing and participatory performances. She is involved in a cultural space in Paris, Rue Française, whose framework she reimagines according to the encounters and her research. By configuring an art centre in a rural area, she founded BOUCHERIE Performative Art Center in Migné where art and local know-how are used to identify new forms of transdisciplinary interaction and production.
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藝術家和行為表演者 Bonnie Tchien Hwen-Ying 簡琿瑛致力於研討給予和反給予（回饋）的道德價值和美學表現，並在她所舉辦的活動中以有趣、耐人尋味和參與性的表演形式進行展示。 她在巴黎成立了Rue Française 法國街藝術創作平台，根據不同的機遇與探索主題重新組合這個空間的框架。她亦在法國中部偏遠的農村小鎮米涅創立了 BOUCHERIE 肉舖行為表現藝術中心，利用藝術和在地各種專業技能來探討跨學科的互動和生產新形式的可行性。
http://www.bonnietchienhwenying.com
Ludovic DE VITA
Artiste, chercheur, Ludovic De Vita fonde à Paris l’Institut de Recherche en Anthropologie de la Singularité (IRISA) avec lequel il propose l’identification de processus de singularisation permettant d’interroger par l’art les pratiques de création et d’innovation. IRISA a pour vocation une compréhension élargie de la singularité à l’œuvre permettant aux chercheurs associés, indépendamment de leur domaine de recherche ou discipline de référence, de confronter et de reformuler leur pratique.
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Artist, researcher, Ludovic De Vita founded in Paris the Institute for Research in the Anthropology of the Singularity (IRISA), with which he proposes the identification of singularization processes that make it possible to question the practices of creation and innovation through art. IRISA aims to provide a broader understanding of the singularity at work, allowing associate researchers, regardless of their field of research or discipline of reference, to confront and reformulate their practice.
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藝術家兼研究員 Ludovic De Vita 在巴黎創立了奇點人類學研究所 (IRISA)，他在該研究所提出了對奇點過程的識別，使我們能夠質疑透過藝術進行創造和創新的實踐。 IRISA 旨在提供工作中對奇點更廣泛的理解，從藝術的角度使相關研究人員，無論其研究領域或參考學科如何，都能面對和重新制定他們的實踐。
Davide NAPOLI
Davide Napoli explore les formes performantes du geste de la pensée, du dessin et de l’écriture, qu’il tente de réunir, de fusionner, de relier, grâce à une recherche d’écriture poétique et méditative sur le vide, sur le temps, sur le fantôme, sur la videsse (vitesse du vide), sur l’altérité, sur le plastémie (résonance entre poésie et science), sur les échos de l’inconscient, sur le paysage intime, sur la bascule du point d’observation. Il est enseignant en Arts Plastiques à l’École des Arts de la Sorbonne, professeur de Méthodologies et Techniques du Contemporain, à l’École des Beaux-Arts de Palerme et membre rattaché de la ligne de recherche ASS ( Arts, Science et Société) Institut Acte à l’École des Arts de la Sorbonne.
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Davide Napoli explores the effective forms of the gesture of thought, drawing and writing, which he attempts to bring together, merge, connect, thanks to a research of poetic and meditative writing on the void, on time , on the ghost, on emptiness (speed of the void), on otherness, on plastemia (resonance between poetry and science), on the echoes of the unconscious, on the intimate landscape, on the shift of the point of observation. He is a teacher of Plastic Arts at the Sorbonne School of Arts, professor of Contem- porary Methodologies and Techniques at the Palermo School of Fine Arts and an attached member of the ASS research line (Arts, Science and Society) Acte Institute at the Sorbonne School of Arts.
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Davide Napoli 探索思考、繪畫和寫作的手勢表現形式，試圖透過對虛空、時間、幽靈、空虛（虛空的速度）、他性、胚乳（詩歌與科學之間的共鳴）、無意識的迴聲、親密的景觀、觀察點的轉變等進行詩意和不加意的寫作，將這些形式交融、合併和冥想。他是Sorbonne索邦藝術學院視覺藝術教授、Palermo巴勒莫美術學院當代方法論與技術教授，也是索邦藝術學院 ASS（藝術、科學與社會）Institut Acte 研究系列的成員。
https://www.facebook.com/napoli.davide.7
Élodie LACHAUD
Artiste plasticienne, photographe et cinéaste, Elodie Lachaud considère qu’art et vie sont intimement liés avec pour champ de recherche le mouvement comme rythme des émotions, les relations humaines, la mémoire collective et la transmission de l’héritage culturel. Elle parcourt le monde à la quête de vérités, permettant à chacun de se raconter des histoires, notre histoire.
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Visual artist, photographer and filmmaker, Elodie Lachaud considers that art and life are intimately linked, with the field of research being movement as the rhythm of emotions, human relationships, collective memory and the transmission of cultural heritage. She travels around the world in search of truths, allowing everyone to tell their stories, our story.
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視覺藝術家、攝影師和電影製作人 Elodie Lachaud 認為藝術和生活密切相關, 運用情感、人際關係、集體記憶和文化遺產傳承的節奏作爲研究領域。她走遍世界尋找真相，讓每個人都說故事，我們的故事。
VINCENT + FERIA
(Françoise VINCENT & Elohim FERIA), artistes chercheurs, associés depuis 1996, vivent
et travaillent à Paris et ailleurs. Créateurs de dispositifs artistiques, éphémères et nomades soucieux de l’audience créative tels que L’Université Pirate, L’Exploratorium, Casa T, qu’ils activent lors d’expositions, Musée d’art contemporain Caracas 2007, Biennale de Venise 2007, Biennale de Gwangju 2008, Biennale Bénin 2012, Biennale de la Fin du Monde 2018, Biennale de Santa Cruz Bolivie 2020. Plusieurs lieux de résidence de création dans des lieux extrêmes ponctuent leur parcours, Yakoutsk, Île de Pâques, Antarctique, mais aujourd’hui dans le centre de la France La Brenne.
Leurs axes de recherche et de réflexion portent sur l’environnement, les contextes éloignés ou proches, le devenir de nos sociétés contemporaines et mettent l’accent sur les rapports humains.
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(Françoise VINCENT & Elohim FERIA), artist-researchers, associated since 1996, live and work in Paris and elsewhere. Creators of artistic, ephemeral and nomadic devices concerned with the creative audience such as The Pirate University, The Exploratorium, Casa T, which they activate during exhibitions, Museum of Contemporary Art Caracas 2007, Venice Biennale 2007, Gwangju Biennale 2008, Benin Biennale 2012, End of the World Biennale 2018, Santa Cruz Bolivia Biennale 2020. Several places of creative residency in extreme places punctuate their journey, Yakutsk, Easter Island, Antarctica, but today in central France La Brenne.
Their areas of research and reflection focus on the environment, distant or nearby contexts, the future of our contemporary societies and emphasize human rela- tionships.
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Françoise VINCENT & Elohim FERIA，藝術家兼研究員，自 1996 年起連名共同創作，生活和工作在巴黎與其他地方。他們的作品有具藝術性、短暫性和遊牧性等的裝置，專注於與觀眾互動的創意，例如在L’Université Pirate、L’Exploratorium、Casa T，在展覽期間激活這些裝置。他們参加多處展出：2007加拉加斯當代藝術博物館、2007威尼斯雙年展、2008光州雙年展、2012貝維亞雙年展、2018 世界末日雙年展、2020 聖克魯斯玻利維亞雙年展。参與過多個極端地點進行創意駐村，包括雅庫茨克、復活節島、南極洲，而如今他們來到了法國中部的 La Brenne。
他們的研究和思考領域集中在環境、遠處或附近的環境、當代社會的未來並強調人際關係。
Alain SNYERS
Alain Snyers, artiste belgo-français, vit et travaille en Isère et à Paris.
Diplômé en peinture et art mural de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris (1976). Co fondateur en 1975 du groupe UNTEL (avec Jean-Paul Albinet et Philippe Cazal) , représenté par la galerie MCF Michèle Didier (Bruxelles – Paris).
Membre du Collège de Pataphysique.
Comme plasticien, Alain Snyers développe une pratique artistique polyvalente qui investit autant les supports traditionnels de l’expression comme le dessin ou les images que ceux plus variés de la vie quotidienne à travers ses objets et comportements.
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Alain Snyers, a Belgian-French artist, lives and works in Isère and Paris.
Graduated in painting and mural art from the École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in Paris (1976). Co-founder in 1975 of the UNTEL group (with Jean-Paul Albinet and Philippe Cazal), represented by the MCF Michèle Didier gallery (Brussels – Paris). Member of the Collège de Pataphysique.
As a visual artist, Alain Snyers has developed a versatile artistic practice that explores traditional mediums of expression such as drawing and images as well as the more varied forms of everyday life through his objects and behaviors.
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Alain Snyers，比利時裔法國藝術家，生活和工作於伊澤爾省和巴黎。
畢業於ENSAD巴黎國立裝飾藝術學院之繪畫與壁畫藝術學系（1976年）。 1975 年與 Jean-Paul Albinet 和 Philippe Cazal 共同創立了 UNTEL 團體，作品由 MCF Michèle Didier 畫廊代理（布魯塞爾 – 巴黎）。為超形學學院成員。
作為一名視覺藝術家，Alain Snyers發展了一種多樣化的藝術實踐，既探索繪畫和圖像等傳統的表達形式，也探索透過物品和行為藝術來表達更加多樣化的日常生活形式。
MO Lou
Lou Mo (née en 1990, France) est une artiste et commissaire d’exposition sino-canadienne. Elle vit et travaille en France. Diplômée de l’École des hautes études en sciences sociales de Paris en études asiatiques, elle mène des recherches sur les liens afro-asiatiques modernes et contemporains et sur les pratiques créatives des artistes du tiers-monde. Elle s’intéresse également aux questions de diaspora, d’identité et de perception en lien avec l’histoire postcoloniale et le modèle centre-périphérie. Elle a été commissaire invitée de la 14e Biennale de Dakar au Sénégal, où elle a présenté l’exposition « La Havane, forger les Suds » au Musée Théodore Monod – IFAN. Elle a récemment été commissaire de l’exposition « Hot Flux : Modern and Contemporary Photography in Taiwan and Africa » au Musée d’art de Tainan. Membre du collectif School of Mutants, ses œuvres ont été exposées notamment à la 12e Biennale de Taipei, au Centre Pompidou-Metz, à la 12e Biennale de Berlin et à la 4e Biennale de Tokyo. Biennale et Glasgow International. Ses autres travaux de recherche ont récemment été exposés au musée Hong-Gah de Taipei et à la biennale de Kochi-Muziris en Inde. Elle a participé à des résidences à la Fondation A4 Art en Afrique du Sud, au Het Nieuwe Instituut aux Pays-Bas, à la Cité des arts de La Réunion, à La Becque en Suisse, entre autres. Ses articles, traductions et comptes rendus d’expositions ont été publiés dans « Something we Africans got », le Journal of Contemporary Chinese Art, Modern Art (TFAM), avec les éditions Yilin Press de Nanjing, e-flux et Ocula.
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Lou Mo (b. 1990, France) is a Chinese Canadian artist and curator. She lives and works in France. She graduated from Ecole des hautes études en sciences sociales in Paris with a degree in Asian Studies. Her research is focused on modern and contemporary Afro-Asian connections and Third World artists’ creative practices. She is also interested in issues of diaspora, identity, and perception in relation to post-colonial history and the centre-periphery model. She was invited curator of the 14th Dakar Biennial in Senegal where she presented ‘Havana, Forging the Souths’ exhibition at the Musée Théodore Monod – IFAN. Recently, she curated ‘Hot Flux: Modern and Contemporary Photography in Taiwan and Africa’ at Tainan Art Museum. As a member of the School of Mutants collective, her works have been exhibited in venues such as the 12th Taipei Biennial, Centre Pompidou Metz, the 12th Berlin Biennial, the 4th autostrada biennale and Glasgow International. Her other research-based works have recently been exhibited at the Hong-Gah Museum in Taipei and the Kochi-Muziris Biennial in India. She has participated in residencies at the A4 Art Foundation in South Africa, the Het Nieuwe Instituut in the Netherlands, La Cité des arts de La Réunion, La Becque in Switzerland and more. Her articles, translations, and exhibition reviews have appeared in ‘Something we Africans got’, the Journal of Contemporary Chinese Art, Modern Art (TFAM), with Nanjing’s Yilin Press, e-flux and Ocula.
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莫奴是加拿大籍華裔藝術家和策展人，現居法國。她畢業於EHESS法國社會科學高等研究院亞洲研究專業。她的研究主要側重在現當代的亞非交流與第三世界藝術家的創作，也對中心與邊緣、後殖民的歷史中產生的離散、身份認同與感知差異感興趣。她是第十四届達卡雙年展的客邀策展人（「哈瓦那：南方熔爐」在達卡IFAN博物館展出）。近期，她策劃了臺南美術館的《熱流：臺非現當代攝影》特展。她是藝術家團體變異派學校的成員，近年他們的作品在臺北市立美術館、龐畢度中心梅兹分館、第十二屆柏林雙年展、第十四屆科索沃autostrada雙年展以及格拉斯哥國際藝術節等地展出。她的其他研究作品近期在鳳甲美術館和印度科欽雙年展展出。她曾參與南非A4 藝術基金會、荷蘭Het Nieuwe Instituut、留尼旺島藝術村、瑞士La Becque等機構的駐村項目。她的寫作、譯作和展評曾在《Something we Africans got》、《Journal of Contemporary Chinese Art》、臺北市立美術館《現代美術》等期刊以及南京譯林出版社、e-flux、Ocula等平臺上出版。
Kévin Fauvre
Créateur d’Expériences Culturelles et Commissaire d’Exposition
Kévin Fauvre conçoit des expériences culturelles immersives mêlant ludification, narration et interaction. Commissaire d’exposition et designer d’expériences, il développe des dispositifs où le jeu devient un levier d’apprentissage et d’exploration sensible. Il a participé à la conception de dix expositions itinérantes, présentées dans plus de quarante structures, ainsi qu’à la création de deux aventures immersives. Engagé dans une approche de terrain, il a animé plus de 2000 ateliers et visites, considérant ce lien direct avec les publics comme essentiel pour imaginer des outils en résonance avec leurs réalités.
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Kévin Fauvre designs immersive cultural experiences that combine gamification, storytelling and interaction. As an exhibition curator and experience designer, he develops devices where play becomes a lever for learning and sensitive exploration. He has participated in the design of ten travelling exhibitions, presented in more than forty structures, as well as in the creation of two immersive adventures. Committed to a field approach, he has led more than 2000 workshops and visits, considering this direct link with the public as essential to imagine tools that resonate with their realities.
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Kévin Fauvre將設計遊戲化、講故事和互動相結合的沉浸式文化體驗。作為展覽策展人和體驗設計師，他開發的設備讓遊戲成為學習和敏感探索的槓桿。他參與了 10 個巡迴展覽的設計，在 40 多個結構中展出，並參與了兩個沉浸式冒險的創作。他致力於實地考察，領導了 2000 多次研討會和訪問，認為這種與公眾直接聯繫對於想像與現實產生共鳴的工具至關重要。
Ling Wang
Scénographe et Designer Graphique
Ling Wang est une scénographe et designer graphique d’origine taïwanaise, installée en France depuis 2011. Spécialisée dans la conception d’expériences immersives et interactives, elle mêle narration visuelle, design et médiation culturelle pour créer des espaces où le public devient acteur de la découverte. Elle a accompagné diverses structures dans la réalisation de projets culturels et artistiques, notamment dans le cadre du Contrat local d’éducation artistique (CLEA), en développant des dispositifs accessibles et participatifs. Elle a également exploré la place de l’écriture et du collage dans l’espace public à travers le projet « Collagiste public », mené lors de la résidence Création en cours avec les Ateliers Médicis.
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Ling Wang is a Taiwanese scenographer and graphic designer, living in France since 2011. Specialized in the design of immersive and interactive experiences, she combines visual storytelling, design and cultural mediation to create spaces where the public becomes an actor of discovery. She has supported various structures in the realization of cultural and artistic projects, in particular within the framework of the Local Contract for Artistic Education (CLEA), by developing accessible and participatory devices. She also explored the place of writing and collage in the public space through the « Collagiste public » project, carried out during the residency Création en cours with the Ateliers Médicis.
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Ling Wang 是一位臺灣舞台設計師和平面設計師，自 2011 年以來一直居住在法國。她專注於沉浸式和互動體驗的設計，將視覺敘事、設計和文化仲介相結合，創造讓公眾成為發現演員的空間。她通過開發無障礙和參與性設備，支援各種結構實現文化和藝術專案，特別是在當地藝術教育合同 （CLEA） 的框架內。她還通過“Collagiste public”專案探索了寫作和拼貼畫在公共空間中的位置，該專案是在 Ateliers Médicis 的 Création en cours 駐留期間進行的。
Nez à Nez
Création, Médiation et Expérimentation
Ensemble, Kévin Fauvre et Ling Wang ont fondé le collectif Nez à Nez, un espace d’exploration à la croisée des arts, des sciences, du design graphique et de la médiation culturelle. À travers des expositions, des ateliers et des formats hybrides, ils développent des outils innovants favorisant l’interaction et la transmission. Le collectif mène des projets en France et à l’international, notamment avec Projet Voie Lactée à Taïwan, une série de workshops inspirés du design sprint, conçus en collaboration avec des artistes taïwanais pour créer des outils d’expression créative.
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Together, Kévin Fauvre and Ling Wang founded the Nez à Nez collective, a space for exploration at the crossroads of arts, sciences, graphic design and cultural mediation. Through exhibitions, workshops and hybrid formats, they develop innovative tools that promote interaction and transmission. The collective carries out projects in France and abroad, notably with Projet Voie Lactée in Taiwan, a series of workshops inspired by design sprint, designed in collaboration with Taiwanese artists to create tools for creative expression.
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Kévin Fauvre 和 Ling Wang 共同創立了 Nez à Nez 集體，這是一個在藝術、科學、平面設計和文化仲介的十字路口探索的空間。通過展覽、研討會和混合形式，他們開發了促進互動和傳播的創新工具。該團體在法國和國外開展專案，特別是與臺灣的 Projet Voie Lactée 合作，這是一系列受設計衝刺啟發的工作坊，與臺灣藝術家合作設計，創造創意表達工具。
Eva Jastrzebski
Eva Jastrzebski est architecte et urbaniste de formation. Française, mais ayant vécu un an aux Émirats Arabes Unis, plus de douze ans en Italie et deux ans en Asie, elle a été profondément influencée par différentes cultures et a surtout été confrontée à des environnements “du quotidien” très variés.
C’est le façonnement des espaces et l’impact de la lumière sur ceux-ci qui l’ont toujours fascinée. Plus précisément, ce sont les émotions que peuvent générer certains lieux et les mouvements qu’ils induisent chez les humains qui les traversent qui l’intéressent par-dessus tout.
En quête permanente de ce qui rend un espace « impactant émotionnellement », elle souhaite développer un laboratoire de recherche (à petite échelle et grandeur nature) pour mettre en situation certains dispositifs et les questionner.
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Eva Jastrzebski is an architect and urban planner by training. French, but having lived for a year in the United Arab Emirates, more than twelve years in Italy, and two years in Asia, she has been deeply influenced by different cultures and, above all, has encountered a wide variety of everyday environments.
She has always been fascinated by the shaping of spaces and the impact of light on them. More specifically, she is most interested in the emotions certain places can generate and the movements they induce in the humans who pass through them.
Constantly searching for what makes a space « emotionally impactful, » she wishes to develop a research laboratory (both small-scale and full-scale) to put certain devices into context and question them.
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Eva Jastrzebski 是一名受過專業培訓的建築師和都市規劃師。她是法國人，但在阿拉伯聯合大公國生活了一年，在義大利生活了十二年多，在亞洲生活了兩年多，她深受不同文化的影響，尤其是面對著非常多樣化的 “日常” 環境。
空間的塑造和光線對它們的影響一直令她著迷。更準確地說，他最感興趣的是某些地方能夠激發的情感以及經過這些地方的人們所引發的構想。 在不斷尋找使空間「具有情感影響力」的因素時，她希望建立一個研究實驗室（小規模和全面規模），將某些設備置於情境中並對其進行質疑。
她一直對空間的塑造以及光線對空間的影響著迷。更具體地說，她最感興趣的是某些地方能夠激發的情感以及經過這些地方的人類所引發的運動。
她不斷尋找是什麼讓一個空間“產生情感衝擊”，她希望建立一個研究實驗室（小型和大型），將某些設備置於背景中並對其進行質疑。
Lin Huangdi
Né en 1971 à Tainan, Taïwan. Il est diplôméé du Département des beaux-arts de l’Université nationale des arts de Taipei et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’Institut des arts plastiques de l’Université nationale des arts de Tainan. Il est directeur de la Paint Engineering Company et de PH2 de l’espace d’art alternatif Munhyun, et professeur adjoint adjoint au département d’architecture de l’Université nationale Cheng Kung.
Il a reçu le « Modern Painting Creation Award » de la 8e Fondation Li Zhongsheng et le 1er Taipei Fine Arts Award. Il s’est rendu au Los Angeles 18th Street Art Center, à l’Anderson Ranch Art Center, au Chiayi Railway Warehouse Art Village et à d’autres endroits. Il a organisé des expositions personnelles au Musée des beaux-arts de Taipei, au Centre culturel américain, au Centre d’art de l’Université Jingyi, au parc Yitong et dans d’autres espaces artistiques, et a été parrainé par la Fondation nationale de la culture et des arts. Ses œuvres ont été collectionnées par d’importantes institutions artistiques telles que le Musée national des beaux-arts de Taïwan, la Banque d’art et le Musée d’art de Kuandu, et il est engagé dans la création d’art public, et a également participé à des activités de conservation et de tournage de documentaires.
Les œuvres de Lin Huangdi n’ont pas de forme spécifique, mais se concentrent sur le recyclage et l’utilisation de tous les objets, messages et symboles sous le système de production, et le cœur d’un tel recyclage réside dans la façon de récupérer le sens subjectif de la connexion échouée. Il redécouvre et réorganise également de nombreux objets et événements issus de l’entrelacement de la vie personnelle et de la société, et offre une occasion de reconstruction sociale en plus de la révision et de la recréation. Au cours des dernières années, il a pris l’organisation de projets artistiques et de communautés d’artistes comme principale pratique créative.
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Born in 1971 in Tainan, Taiwan. He graduated from the Department of Fine Arts of Taipei National University of the Arts, and obtained a Master of Fine Arts from the Institute of Plastic Arts, National Tainan University of the Arts. He is the director of the Paint Engineering Company and PH2 of the alternative art space Munhyun, and an adjunct assistant professor at the Department of Architecture of National Cheng Kung University.
He was awarded the 8th Li Zhongsheng Foundation’s « Modern Painting Creation Award » and the 1st Taipei Fine Arts Award. He has been to Los Angeles 18th Street Art Center, Anderson Ranch Art Center, Chiayi Railway Warehouse Art Village and other places. He has held solo exhibitions at the Taipei Fine Arts Museum, American Cultural Center, Jingyi University Art Center, Yitong Park and other art spaces, and has been sponsored by the National Culture and Arts Foundation. His works have been collected by important art institutions such as the National Taiwan Museum of Fine Arts, the Art Bank, and the Kuandu Museum of Art, and he is engaged in public art creation, and has also participated in related curatorial activities and documentary shooting.
Lin Huangdi’s works do not have a specific form, but focus on the recycling and utilization of all objects, messages, and symbols under the production system, and the core of such recycling lies in how to recover the subjective meaning from the failed connection. It also rediscovers and reorganizes many objects and events from the intertwining of personal life and society, and provides an opportunity for social reconstruction in addition to reviewing and re-creating. In recent years, he has taken the organization of art projects and artist communities as his main creative practice.
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林煌迪
1971年生於台灣台南。國立台北藝術大學美術系畢業，國立台南藝術大學造形藝術研究所藝術碩士。為另類藝術空間文賢油漆工程行、PH2負責人，國立成功大學建築系兼任助理教授。
曾獲第八屆李仲生基金會「現代繪畫創作獎」、第一屆「台北美術獎首獎」。曾至美國洛杉磯第十八街藝術中心、美國安得森牧場藝術中心、嘉義鐵道倉庫藝術村等地駐村。曾於台北市立美術館、美國文化中心、靜宜大學藝術中心、伊通公園等藝術空間舉行個展，並屢獲國家文化藝術基金會贊助。作品獲國立台灣美術館、藝術銀行、關渡美術館等重要藝術機構收藏。他從事公共藝術創作，也參與相關的策展活動及紀錄片拍攝。
林煌迪作品沒有特定形式，關注所有物件、訊息、符號在生產系統下的資源回收和利用，這樣的回收利用的核心在於如何從失效的聯結性中找回主體意義。並從個人生涯和社會交錯產生的許多物件與事件的種種情境中，加以重新發掘與重整，除了回顧、再創造，也做為提供社會重構脈絡的機會。近年來以藝術計畫與藝術家社群的組織創作作為主要的創作實踐。
Wang Wanting
Né à Tainan en 1971. Il est diplômé du département de sculpture de l’Université nationale des arts de Taïwan et a obtenu une maîtrise de l’Institut des arts plastiques de l’Université nationale des arts de Tainan. À l’heure actuelle, il est le tuteur de la classe d’art du lycée Madou dans la ville de Tainan, et est également le principal artiste participant du groupe d’art Wenxian Paint Project. Il a organisé plusieurs expositions personnelles à Tainan et Taipei, et a reçu des subventions de la Fondation nationale de la culture et des arts, et a également exposé au Musée national des beaux-arts de Taïwan, au parc Yitong, à l’entrepôt n° 20, à la zone d’art et culturelle de Huashan, à la galerie d’art Nanhai, au studio Zhuwei, à Absolute Space, à la Wenxian Paint Engineering Company… En 2015, il a participé au « Tainan-Los Angeles Flying Project 2-3 » parrainé par le Bureau culturel du gouvernement de la ville de Tainan.
Les œuvres de Wang Want utilisent principalement un mélange de sculpture molle et de peinture, à travers la transformation des objets de la vie, couplée à la réponse aux situations de la vie, pour symboliser l’imagination de différents personnages dans la vie quotidienne de différents personnages et entre les espèces, et pour concrétiser l’inévitable relation de coopération dans la voie de l’imitation animale. En biologie, diverses espèces ont leurs propres écosystèmes et mécanismes sociaux, et différentes espèces sont également restreintes les unes par les autres en raison du changement global de l’environnement. Du système écologique de l’environnement général au système de la famille humaine, il existe une relation synergique, qui réchauffe le monde, et le soin et l’attente en avant naissent.
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Born in Tainan in 1971. He graduated from the Department of Sculpture of National Taiwan University of the Arts, and received a master’s degree from the Institute of Plastic Arts, National Tainan University of the Arts. At present, he is the tutor of the art class of Madou Junior High School in Tainan City, and is also the main participating artist of the art group Wenxian Paint Project. He has held several solo exhibitions in Tainan and Taipei, and has received grants from the National Culture and Arts Foundation, and has also exhibited at the National Taiwan Museum of Fine Arts, Yitong Park, Warehouse No. 20, Huashan Art and Cultural Zone, Nanhai Art Gallery, Zhuwei Studio, Absolute Space, Wenxian Paint Engineering Company… In 2015, he participated in the « Tainan-Los Angeles Flying Project 2-3 » sponsored by the Cultural Bureau of the Tainan City Government.
Wang Wanting’s works mainly use a mixture of soft sculpture and painting, through the transformation of life objects, coupled with the response to life situations, to symbolize the imagination of different characters in daily life of different characters and between species, and to concretize the inevitable cooperative relationship in the way of animal imitation. In biology, various species have their own ecosystems and social mechanisms, and different species are also restrained by each other due to the overall change of the environment. From the ecological system of the general environment to the human family system, there is a synergistic relationship, which makes the world warm, and care and forward waiting are born.
王婉婷
1971年出生於台南。國立台灣藝術大學雕塑系畢業，國立台南藝術大學造形藝術研究所碩士。目前為台南市麻豆國中美術班導師，也是藝術團體「文賢油漆工程行」之主要參與藝術家。曾於台南與台北舉辦數次個展，並獲財團法人國家文化藝術基金會補助，也曾經於國立台灣美術館、伊通公園、20號倉庫、華山藝文特區、南海藝廊、竹圍工作室、絕對空間、文賢油漆工程行…等台灣各重要藝文空間展出，並於2015參與由台南市政府文化局主辦之「台南-洛杉磯 對飛計畫2-3」 。
王婉婷的創作主要以混合軟雕塑與繪畫的手法，經由生活物件的改造，加上對於生活情境的回應，將家庭日常生活中對於不同角色人際間，與物種間生命情境的想像加以符號化，以擬動物的方式，將不可迴避的協力關係予以具體化。生物學中各種物種間皆存在著自身的生態系統與社會機制，不同物種間也因為環境整體的改變而彼此牽制，而互為主體。從大環境的生態體系到人類的家庭系統都存在著一種協力的關係，這樣的關係讓這個世界產生了溫度，關懷與向前的觀望因此應運而生。